Abstracts
Einführung in meine Herangehensweise an die Malerei aus der Musik
„Ich habe noch nie eine Künstlerin getroffen, für die eine andere künstlerische Disziplin als ihre eigene eine solche Bedeutung haben kann, wie für Dessa. Das muss betont werden, denn die ganze Spezifik und Einzigartigkeit ihres Schaffens liegt in diesem Phänomen. Die Musik ist nicht nur eine Anregung oder Inspirationsquelle, sie ist fast die Bedingung “ sine qua non „, um zu erwachen und ihren kreativen Geist zu nähren.
Dem Schaffen Dessa’s geht eine Geste der Aufgeschlossenheit, der geistigen Lebendigkeit, ihrer natürlichen Kommunikationsfähigkeit, Durchlässigkeit und auch Verletzlichkeit voraus. Es ist eine rein musikalische Gesamthaltung, die sie in Schwingung versetzt.
Malen bedeutet, mit ihrem ganzen Wesen zu reagieren, nicht nur mit dem Gehirn und der Hand. Malen bedeutet, ihren Körper als Rezeptor zu benutzen, der die Energie der Musik einfängt, bevor sie in ein anderes Medium umkodiert wird. Malen bedeutet Tanzen.
Dessa’s Kunstwerke sind in der Tat Dialoge, die als Gemälde ausgedrückt werden. Es sind Dialoge, die oft wie spirituelle Übungen aussehen. Denn – wenn sie nicht in direkter Kommunikation mit einer Musikerin wie ihrer Transoundart-Improvisation stehen – erfordern sie viel Einsamkeit, Konzentration und Opferbereitschaft. Mit Gesprächspartnern wie Mahler, Schreker, Ullmann oder Britten kann man einfach nicht diskutieren. Man muss sie lieben, man muss sie gut kennen, ihre Ideen, ihr Schicksal, ihr Handwerk. Ohne dies können sie sich uns nicht öffnen.
Frank Harders-Wuthenow, Musikwissenschaftler, Berlin
Ich habe mich nicht bewusst dafür entschieden, eines Tages aus der Musik heraus zu arbeiten, aber das ist nicht verwunderlich, denn Musik war schon immer ein Teil meines Lebens. Die Fähigkeit, Musik lesen zu können, öffnet eine andere Welt, und ist wie wenn man eine andere Sprache entdecken würde. Ich habe schon früh mit Klavier- und Ballettunterricht begonnen. In Israel sang ich in einem Chor.
Meine Kindheit war von verschiedenen Musikstilen geprägt, und ich liebte den Rhythmus der afrikanischen Lieder und Trommeln. Damals und seitdem habe ich Zeit damit verbracht dem Orchester des Naturklangs zuzuhören. Die reiche Umwelt Simbabwes verband Vogelgesang mit dem Gezwitscher von Grillen und dem Klicken anderer Insekten, dem Quaken von Fröschen zusammen mit dem Geplapper des Regens und dem Gebrüll des Donners. Die Arbeit mit klassischen Kompositionen war im Laufe der Jahre ein Lernprozess, nicht nur über den Komponisten, sondern auch darüber, wie jede Komposition unterschiedliche Emotionen und Ideen suggeriert und wie meine Kunst darauf reagiert und sich weiterentwickelt hat.
Bei meinen letzten beiden Projekten, nämlich „Komposition“ – Musik von Unsuk Chin und Detlev Glanert und „Do We Smile or Do We Weep?“ – Musik von Unsuk Chin und Detlev Glanert – habe ich mit Frank Harders-Wuthenow, dem Promotion Executive der Musikredakteure Boosey und Hawkes in Berlin, zusammengearbeitet. – Musik von Benjamin Britten. Ich war nun frei die schriftlichen Manuskripte nach Belieben zu verwenden und meinen Musikbildern neue Formen hinzuzufügen, nämlich die Collage. Die Ausschnitte der musikalischen Partitionen, mit den Noten und der Handschrift des Komponisten, brachten neue Dimensionen in das Kunstwerk.
Gustav Mahler – Das Lied von der Erde – 1990
Es war diese Komposition von Gustav Mahler, die mich zur Arbeit mit Musik führte. Eines Abends im Jahr 1989, während einer Radiosendung der Lieder, war ich wie hypnotisiert, so tief bewegt, und sagte laut: „Ich muss diese Musik malen“.
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Leonard Bernstein bezeichnete die Komposition als Mahlers größte Sinfonie – für zwei Stimmen und Orchester. Sie ist voll von Symbolen der Dualität, sowohl der Unschuld als auch der Sterblichkeit, der Illusion und der Realität. Ich kannte Mahlers Sinfonien für Orchester, aber es war das erste Mal, dass ich diese Komposition hörte, welche starken Emotionen und Ideen vermittelt.
Ich begann Mahlers Leben zu recherchieren und was er in dieser speziellen Komposition, die auf chinesischen Gedichten basiert, ausdrücken wollte, und hörte mir mehrere Interpretationen der Lieder zusammen mit dem Musikmanuskript an. Die Musik, die bei meiner Arbeit immer präsent war, inspirierte mich zu einer Serie von dreißig Werken auf Leinwand, die innerhalb eines Jahres entstanden.
Man könnte sagen, dass ich mit und von der Komposition gearbeitet habe. Ich habe Informationen aus der Musik aufgenommen, und die Musik hat Material aus mir herausgezogen. Unwissentlich war dies der Beginn einer Arbeitsmethode, die ich entwickelte, um aus einem Stück klassischer Musik verschiedener Komponisten „neu zu komponieren“.
Olivier Messiaen – Turangalîla – 1992
« Das Gemälde verneint sein Format, seine Grenzen, und umgreift den Raum. Von vorherein sieht sich sein Betrachter gepackt und vereinnahmt durch die Blau und Grüntöne; durch Türkisblau und Smaragdgrün, durch Regenperlen und Sturzbachschauer;
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er stürzt in schwindlig-unergründliche Tiefen oder taucht in die dunkleren Farbtöne, golden und blutrot erhellt, wie sie von andern Tempi der „Turangalîla“ hervorgerufen worden; er sieht Grotten, Wunden, geheime Ritzen aus dem tiefsten Innern der Erde.
Durch die Farben und Formen, die sie der Musik entnimmt, lässt uns Dessa in einer bemerkenswerten Freiheit der Schreibart beides berühre: das drohende Gewitter wie das Auf- und Ab des verhaltenen Gefühls, die verarbeitete Materie wie den hingeworfenen Gestus, sie bietet unserem Blick sowohl die Stürme wie die Sanftheit ihrer schöpferischen Inspiration“.
Auszug aus dem Text „Die Farbe der Noten“ von Simon Vermot
Ernest Bloch – Schelomo – 1993
Hebräische Rhapsodie für Cello und Orchester
In den Jahren 1911 bis 1926 orientierte sich Ernst Bloch (1880 Genf – 1959 Oregon, USA) an jüdischen Themen von großer spiritueller Bedeutung.
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In dieser Rhapsodie verglich er das Cello mit der Stimme Salomons. Aber die Bilder, die ich in der Musik hörte, waren der Exodus aus Ägypten und die Überfahrt nach Kanaan. Meine Bilder sind in Gelb, Braun und Rot gehalten, andere in Blau und Grün, Ocker und Rot, um die Tiefe all der starken Emotionen auszudrücken. Die Musik berührte mich tief, sie brachte mich zum Weinen. Es war eine sehr bewegende Erfahrung.
Chinesische Musik für Er-Hu – 1992
Während eines früheren Besuchs in China kaufte ich eine Er-hu mit der Absicht, eines Tages nach China zurückzukehren, um zu lernen sie zu spielen und nach der Musik für Er-hu zu malen. Einige Jahre später konnte ich zwei Monate in Hangzhou verbringen, dank Dji-deh, einem inzwischen verstorbenen Professor für Russisch im Ruhestand.
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Sie organisierte meine Kontakte und Treffen mit Einheimischen und machte mich mit Zheng Fang, einem traditionellen chinesischen Maler und Lehrer, bekannt. Ich brachte etwas Kunstmaterial mit, wie Pinsel und Acrylfarbe, und kaufte mit Hilfe von Zheng Fang chinesische Pinsel und eine spezielle Seide für Kunstzwecke. Sobald die Seide gemalt war, musste sie gespannt und auf dünnes Papier geklebt werden, und Zheng Fang kam regelmäßig, um mir dabei zu helfen. Er machte mir auch einen chinesischen Stempel, den ich auf jedes Gemälde drucken musste. Die Er-hu ist der Violine ähnlich, hat aber nur zwei Saiten und wird mit einem Bogen zwischen den beiden Saiten gespielt. Ich finde ihren schönen Klang melancholischer als den der Geige. Ich hatte mehrere verschiedene Tonbandaufnahmen, einige mit Er-hu solo und andere mit Orchester.
Der Brückenschlag zwischen den Kulturen durch meine Kunst, als eine lebendige Erfahrung, war besonders lohnend. Wenn ich durch die Straßen von Hangzhou schlenderte, hörte ich oft Musiker, die den Fußgängern traditionelle Musik vortrugen. Viele Jahre später kehrte ich für einen kurzen Besuch nach Hangzhou zurück, und zusammen mit der schnellen und rasanten Entwicklung war leider der größte Teil der Musik, die man jetzt auf den Bürgersteigen hörte, populäre Musik aus dem Westen, die die Menschen in die modernen Geschäfte locken sollte. Ich fragte Zheng Fang, wie sein Land diesen Verlust ihrer eigenen traditionellen Musik bewahren würde, und seine Antwort war, dass die Museen sie erhalten würden.
Nino Rota – Concerto per archi
Nino Rota ist für seine Filmmusik bekannt, aber ich habe mich entschieden, aus seinem Streicherkonzert zu arbeiten. Ich mag die Energie und die Helligkeit der Musik.
Leonard Bernstein – The Age of Anxiety – Das Zeitalter der Angst – 1994
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Ich wollte wieder mit Musik arbeiten, die von der Poesie inspiriert ist, wie das erste Projekt mit Mahlers Liedern, und so Musik und Poesie mit bildender Kunst verbinden. Ich wählte Bernsteins zweite Sinfonie, die er „The Age of Anxiety“ nennt, den Titel des 1947 von W.H. Auden geschriebenen Gedichts, das Bernsteins zweite Sinfonie inspirierte. Das wesentliche Thema des Gedichts und der Musik ist die Suche des Menschen nach Glauben und Identität in einer immer stärker industrialisierten und vom Krieg zerrissenen Welt.
Bela Bartok – Konzert für Orchester
Die Musik von Bartok verbindet mich direkt mit meinem ungarischen Vater. Eine interessante Anekdote: Bei der Ausstellung meiner von Bartok inspirierten Gemälde in Basel rief ein Besucher, der auf ein großes Tryptikum mit einer Dominanz von Rot schaute, aus: „Ich kann die Paprika riechen!“.
Viktor Ullmann – Klaviersonate Nr. 7
„Mit Viktor Ullmann erhält ihr Werk eine zusätzliche Dimension, auch wenn sie dies nicht sofort erkannt hat: „Diese Musik hat so viele Bilder und Emotionen in mir geweckt. Aber ich war mir nicht bewusst, was ihre Kraft mir persönlich antun würde. Die Geschichte geht also weit über die fünfzehn Monate Malerei hinaus, die notwendig sind um die Kunst zu vollenden“, erinnert sich Dessa.
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Die Geschichte ist in der Tat viel länger. Dessa wurde in Simbabwe als Kind polnischer und ungarischer Eltern, beide jüdisch, geboren. Und ihre Großeltern kamen in Auschwitz ums Leben. Daher ist die Resonanz auf die Ullmann-Flugbahn so tiefgreifend.
Von persönlichen Erwägungen zur Pflicht des Gedenkens
„Eine Art persönliche Therapie“, so Dessa. Diese Musik machte mir bewusst, dass ich mir bestimmte existenzielle Fragen nie gestellt hatte. Zum Beispiel der Verlust meiner Großeltern in Auschwitz, was hat das mit mir gemacht? Mir ist klar, dass es viel bewirkt hat, auf einer unbewussten Ebene. Die Art und Weise, wie ich die Welt erfasse, ist in gewisser Weise in der Geschichte meines Volkes abgedruckt.
Denn über sich selbst hinaus gibt es die Anderen: „Während ich nach dieser Musik malte, reagierte ich auf eine innere Notwendigkeit. Ich hatte absolut keine Ahnung, welche Bedeutung dies für Andere haben würde. Ich fühlte mich verantwortlich, nicht nur gegenüber Viktor Ullmann, sondern auch gegenüber meinen Großeltern und anderen Menschen“. Und Dessa spricht davon, „über diejenigen zu informieren, die in diesem Lager den Mut und den Willen hatten weiter zu schaffen“.
Auszug aus dem Artikel in swissinfo/Bernard Léchot „Ein Vermächtnis aus Theresienstadt“, im Ghetto-Museum Theresienstadt, vom 7. November 2002 bis 28. Januar 2003.
Erich Wolfgang Korngold – Abschiedslieder (Lieder des Abschieds)
In der Biographie über Korngold von Jessica Duchen, Phaidon 1996, steht geschrieben, dass Korngold die Musik zu diesen vier Gedichten zu einer Zeit komponierte, als die Eltern beider Familien gegen seine Beziehung zu Luzi von Sonnenthal waren. Sie haben geheiratet und hatten eine sehr gute Ehe. Die Lieder sind schön, melodiös und sehr inspirierend.
René Oberson – La Porte Mystique
Der Schweizer Komponist René Oberson komponiert für die Orgel, ein Instrument, mit dem ich nicht vertraut war. Seine Komposition öffnete mir neue Türen zu meinen Werkzyklen. Es machte mir Freude, mit einem lebenden Komponisten zu arbeiten, und diese Erfahrung ermutigte mich, ein weiteres Projekt mit Komponisten aus Berlin durchzuführen.
Composition: Parametastring – Unsuk Chin | Vergessenes Bild – Detlev Glanert
Ich wollte ein Projekt machen, bei dem ich von der Musik zweier lebender Komponisten ausgehe. Durch die Zusammenarbeit mit Frank Harders Wuthenow von Boosey and Hawkes in Berlin konnte ich die Komponisten kennenlernen und ihre Musik frei verwenden.
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Auszug aus dem Text von Frank Harders Wuthenow :
„Die koreanische Komponistin Unsuk Chin und der Deutsche Detlev Glanert sind zwei der wichtigsten Komponisten ihrer Generation. Wer mit ihrer Musik vertraut ist, wird die Weite von Dessa’s stilistischem Horizont und den Grad ihrer Sensibilität für extrem unterschiedliche musikalische Sprachen verstehen. Es ist kaum verwunderlich, dass die beiden Komponisten selbst eine starke Affinität zur bildenden Kunst haben und dass das visuelle Element in ihrem Werk eine entscheidende Rolle spielt. Dies mag auch erklären, warum Dessa sich besonders zu ihrer Musik hingezogen fühlt. Die Musik von Detlev Glanert und Unsuk Chin spricht zwei sehr unterschiedliche Bereiche ihres geistigen und emotionalen Universums an, so dass sich beide Werkzyklen – die parallel entstanden sind – perfekt ergänzen. Sie zeugen von einem künstlerischen Prozess, der kreative Funken aus der Begegnung schlägt: mit Menschen und mit Werken. Die Transzendenz und das Einfühlungsvermögen, die in jedem ihrer Bilder zu spüren sind, ist eine der Qualitäten von Dessa’s Kunst, die ich besonders schätze, und ich freue mich, dass ich in gewisser Weise zur Entstehung dieser Werkgruppe beitragen konnte“.
Benjamin Britten – The Four Sea Interludes and Passacaglia from Peter Grimes
Auszug aus „It is all about Transformation: Eine Diskussion über Britten“ veröffentlicht in „Do We Smile Or Do We Weep?“
Berlin 2013. ISBN 2-940223-06-8
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Dessa spricht mit Frank Harders-Wuthenow in Berlin
F: In Brittens Musik gibt es viele ‚bildliche‘ Qualitäten, und das muss für einen Maler etwas sehr Attraktives sein. Haben Sie sich von den imaginären Strichen von Brittens kompositorischem ‚Pinsel‘ leiten lassen, mit denen er das Meer glitzern, dampfen und heulen lässt? Oder ist es eher die emotionale Seite dieser Musik, die inneren Turbulenzen der Figuren, die Sie inspirieren und bewegen?
D: Beides. In der Passacaglia ist es die emotionale Beschreibung von Grimes, und in den Meereszwischenspielen glaube ich, dass ich die visuellen Elemente verwendet habe, wie Sie sie vorschlagen, die aber gleichzeitig Emotionen darstellen. In „Midnight“ zum Beispiel ist das Licht weich, aber es suggeriert Einsamkeit, vielleicht das Ende eines Zyklus, das Ende eines Lebens. In „Sonntagmorgen“ habe ich die Farbassoziation mit der Klarheit der Klänge verwendet – helle Farben kommen zusammen, um die kühn schlagenden Glocken auszudrücken, die im ganzen Dorf und in den Gärten läuten. Aber wie ich bereits erwähnt habe, kann ich mich von der Wiederbelebung unbewussten Materials leiten lassen, das die Musik erreicht. Der Prozess ist also recht komplex und herausfordernd.
Musik und Pinsel
Eine Live-Painting-Performance in Zusammenarbeit mit dem Orchester Flying Brass, initiiert von Dominique Gesseney-Rappo, Komponist und Blaise Héritier, Dirigent. Dominique Gesseney-Rappo komponierte ein neues Stück, inspiriert von zwei meiner großen Triptychen. Ich hörte mir sein neues Stück an und kannte es recht gut, bevor ich vor dem Publikum malte.
Wir führten 5 Konzerte in der französischsprachigen Schweiz auf. Ich malte auf einen Tisch neben dem Orchester und konnte dem Dirigenten folgen. Bernard Villat organisierte eine Kamera, um mein Werk zu filmen, und das Publikum schaute auf einer grossen Leinwand zu.
